如何通过建立镜头塑造角色

当我们在讨论电影的时候，除了电影的故事、角色的情感、演员的演技、配乐…等等众多的环节以外，多数人所注重的还是影像本身所含有的吸引力。

然而，电影又是通过什么样的方式让不同的镜头串连时，将故事想要传递的信息呈现在大银幕上呢？不同的镜头又各自拥有什么样的意义呢？什么又是“场景建立镜头”（又名：定场镜头）？而这些镜头又有什么样的特色。

场景建立镜头（定场镜头）

定场镜头（Establishing Shot），影片一开始或一场戏的开头，用来明确交待地点的镜头。电影《单身指南》的开头就用了非常多的符号来告诉观众，接下来要发生的故事位于美国纽约。尽管我们在电影的开头看到的是女主角坐在出租车上，镜头往后移动让观众看到车子行驶在曼哈顿大桥上，因为在此座桥的后方就是知名的布鲁克林大桥，随着镜头移动，我们也可以知道车子即将驶入的是某一座城市，而真正给观众明显提示的就是电影配上的歌曲，是来自泰勒·斯威夫特的《Welcome to New York》。而紧接着在其他两个主要角色出现后，我们也看到了从海边看向纽约的的城市景色，简单明了的告诉观众这个故事即将发生在纽约。

精准且明确的场景建立镜头

更确切地使用场景建立镜头的方法，会让观众在每一个地点转移的情况下，直接在画面上写出该地点的名称，以及转移到该地点时，事件所发生的确切时间点。我们以今年上映的《银河护卫队2》作为例子，一开头我们看到的是一个相当宽阔的平地，除了比较靠近观众的地方有房屋外，周边基本上都是农田、空地，而远处可以看到尚未应用的电线杆和电线，左后方更远处则是看似核电厂的工业区。在这里导演詹姆斯·古恩没在跟你客气的把“密苏里州、地球、1980”，这三个对于故事非常重要的设定写出来，让你知道故事会先从这个地方、这个时间开始说。

不同形式的场景建立镜头

当然，场景建立镜头并不是一定的公式，而是为了电影语言而被归类产生的名词，所以也有电影导演刻意不在电影的一开始、场景的一开始场景建立镜头，而是先从角色本身出发，再渐渐让观众理解整个事件所发生的背景时间、地点。例如去年差一点拿下奥斯卡最佳影片的电影作品《爱乐之城》，电影的开头除了向法国新浪潮的代表导演让-吕克·戈达尔的电影《周末》致敬以外，就是通过某一个角色开始整场华丽的歌舞秀。观众首先看到的是一个哼着歌的女孩，接着理解到所有的车子都静止在路上不动（这样大家才敢下来唱歌跳舞），一直到歌舞的最后，我们看到的是一条在美国堵车的高速公路，接着出现的才是电影片名，整场戏就是非常独特且经典的场景建立镜头。

电影语言之所以成为某一套学问，就是因为其内容有一定的规则与公式，即便乍看之下影像与我们过去所熟知的编排并不相符，只要用心专研其中，一定能找出这个导演特定的安排手法，就像是大卫·芬奇在《消失的爱人》里面让开场的镜头与结尾的镜头互相呼应一样，但这个回眸并不能算是这个场次的场景建立镜头，这就打破了过去我们对于“场景建立镜头”会在电影开头的认知。

以上是关于“场景建立镜头”的一些简单观念，然而电影从 1895 年发展至今，已经出现了太多的形式与风格，也有太多导演企图在既有的形式与风格上颠覆以往，创造出属于自己独一无二的电影语言，所以“场景建立镜头”已经不再遵循某一种必定的形式出现，下次看电影时也可以仔细地注意一下，这部电影、这场戏的”场景建立镜头”到底在哪里，或许会带给你更多的发现哦！

好，我们下面在说说如何通过镜头来数造角色。

角色是主要通过演员的表演来塑造的。但电影语言在增强人物特质和情感上也起着重要的作用。 就这一点，摄影指导尼尔· 欧斯曼(NeilOseman)向我们讲述了他的看法

演员，服装师，化妆师和布景师都很努力的通过他们的工作来塑造角色。很多电影摄影师可能都没有意识自己也是这个过程的一部分。但事实上，你可以通过很多事情来参与。我来举一些通过运镜，镜头的选择和灯光来塑造角色的例子。

多年以前，我参与制作了一部名为《灵魂搜捕者》(Soul Searcher)的电影，其中的主人公乔(Joe)对一位名叫海柔(Heather)的女服务员单相思。为了表现男主人公跟她说话时的紧张感，男演员的镜头我都是手持拍摄，而女演员的镜头则放在支架上平稳拍摄。

最近，我拍摄了一个简称为《别人的鞋子》的短片，也是关于单恋。这一次，我用宽镜头拍摄这个男演员，把观众包括在场景里，而对女演员用长镜头，表明有人从远处观察着她、爱恋着她。

我曾经拍摄过一个故事片叫《功夫连接》（Gong Fu Connection），对导演来说，片中人物与他人建立联系这个主题非常重要。我提出以单人镜头的形式来反映人物关系的想法：有联系的人物用不完全单人镜头拍摄，即过肩拍摄，而没有联系的人物用纯单人镜头，将其隔离在框架中。

在短片《令人迷惑的音乐》(Perplexed Music)中我要拍摄一个悲伤的男人，我总是把他挤在画框的一边，让他处在不平衡的、从周围的世界抽离出来的状态。在情绪宣泄的关键时刻，我切换到人物在中央的构图来表明他在接受现状。导演和我也决定使用每秒28到30帧的轻微手摇镜头，来减慢男人动作的速度，表达他在悲伤重压之下。

拍摄项目具体的规则

这些针对具体项目的规则被称为视觉语言，有时导演甚至会在摄影指导到位之前就已经制定好了这些规则。在拍摄短片《持棺人》（CoffinGrabber）的时候，导演克莱尔·阿伯里（Claire Alberie）早早就已决定，这部电影是通过影片中十岁的主角阿尔菲（Alfie）的眼睛看到的，用从他的视线高度上用流畅的斯坦尼康运镜来拍摄，而成年人则用静止的宽银幕镜头拍摄。

景深是另一个可以用来塑造人物的创造工具。《任：带记号的女孩》是一个关于一个年轻女孩成为一个古老而强大的魂灵的宿主的系列幻想剧。我用T4拍摄了此系列大部分的内容，景深较浅；但每到魂灵占领女孩的时候，我会停止浅景深，有时能达到T1.4一样宽，使背景完全消失，来表现她内心的斗争。

导演詹姆斯·雷诺兹（James Reynolds）希望用类似的景深手法拍摄他的短片《流放者》（ExileIncessant），表现两代南非人之间的家族冲突。詹姆斯想要用较浅的景深拍摄年纪大、较为固执的人物，代表他们与周围的世界隔绝，同时用深景深拍摄年轻人，表现他们头脑更开明，有更包容的世界观。但不幸的是，我们当时预算有限，我们很少能有足够的光线来用小光圈拍摄。我建议对两代人用光线变化取而代之，使用被强烈阴影打碎的强光照射的年长男子，表明他们眼中的世界黑白分明；而年轻开明的年轻人用柔和的光线照射。

我也在其他作品中使用过硬/软光线手法。回到《任》这部片子，我通过使用柔软、均匀的光线和强硬的、强对比的光线区分纯真的主角和她遇到的战士们。

我还拍摄过一部叫做《三只瞎老鼠》（Three Blind Mice）的短片，其中的三部曲每个故事都是有一个真实的人物，另一个是超自然的或虚构的人物。作为对观众的一个小提示，我对虚构人物使用恰到好处的背光，甚至用柔和的光线照亮他们的脸；而对真正的人物用更自然、更少调控的光。

我最近拍摄的一个名为《云彩之上》（Above the Clouds）的短片中主角之一是一个无家可归的流浪汉叫奥兹（Oz）。他时运不济，于是我想用灯光表现他的困难时光。只要有可能，我都用破碎的主光(broken key)。这是一个非常好用的主光，几乎可以当三分之一的背光源， 在脸上留下难看的阴影。随着影片的进行，他时来运转，灯光也变得更衬托人物，更令人舒心。

神眼光也可用于表现人物。通常，摄影指导想要人物眼中那个小小的闪光，但有时却没有那个闪光可以更好的服务于故事。眼中没有闪光的角色可能是快死了或放弃了希望，或者有邪恶的计划。有时候，我甚至在中景中用神眼光，比如在《彩云之上》，奥兹决定与新朋友查理踏上一段伟大的旅程。在人物做出决定的那一刻，我让技师巧妙的在摄像机底下滑动一个可折叠的反射镜，让奥兹眼中呈现出闪光。

通常视觉语法会随着你的发展而进化，特别是拍摄故事片的时候。在一个女修道院拍摄17世纪超自然惊悚片《异教徒》（Heretiks）一个星期后，我意识到，亚光的银色反光（Celotex保温板）是塑造暴虐的修女院长最有效的道具，而较软的聚酯板反光用在年轻修女身上最好不过。

有时颜色可以与不同的人物相关联。在即将放映的《小美人鱼》（The LittleMermaid）中，观众首先在马戏团的水族箱中看到主人公。我用钢蓝色明胶让水呈现出一种夸张而神奇的颜色。随着拍摄进行下去，每当主人公出现在屏幕上，我都用回钢蓝色凝胶，作为“美人鱼的颜色”，强调她返回海洋的愿望。

我希望这些例子可以让您思考如何创造性地运用镜头动作，镜头型号和灯光来帮助塑造角色并更好的讲故事。最理想的效果是，这些技术能够不被观众察觉地、从潜意识里帮助观众更好的理解电影，并增加观影体验。